巴洛克音乐

“巴洛克”是一种风格术语,指自17世纪初直至18世纪上半叶流行于欧洲的主要艺术风格.一词来自法语,追本溯源是葡萄牙语barroco,意思是一种不规则的珍珠.这个词长期以来被人们认为是贬义词.而只是像温开尔曼和科特雷梅尔德坤赛的同时代人那样,把“巴洛克”这个词看成是一种奇怪的、过分雕琢的、独特的、简言之,是极不值得赞美的艺术.文艺复兴时期的人文主义作家用这个词来批评那些不按古典规范制作的艺术作品.这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐.

自18世纪以来,艺术史家和考古学家们特别重视风格的研究.所谓风格意味一件作品是依照某种特定的组合方式而构成的,它本身有着的内在谐和一致,但又明显地区别于其他的风格,故能给人以深刻的印象.风格的形成,当然是某一个时代和作者艺术发展成熟的表现.不过,巴洛克作为一种风格,却一直是美术史家们有争论的问题.“巴洛克”一词的原义,含有不整齐、扭曲、怪诞的意思,大约是18世纪古典主义者奉赠给自己不太赞同的前辈艺术的一个称号.从时间上说,“巴洛克”流行于17世纪至18世纪初.所以有人把整个17世纪各国的艺术——意大利、西班牙、弗兰德尔、荷兰、法等都列在"巴洛克"范围之内.“巴洛克”成为独特的风格,是由于它在艺术精神和手法上,与盛期文艺复兴有明显的区别.如果文艺复兴可以归为古典主义,“巴洛克”可以归为浪漫主义.它是在封建天主教复辟后,随着贵族统治的巩固而发展起来的.但是,不能简单地把“巴洛克”艺术和它的代表们,称谓“反”的,“倒退”的艺术.个人固然受制于历史,但个人又反射着各种历史因素（包括一切以往的传统）,而给当代的历史带来新的东西.这才形成了历史的变化多端、丰富绚丽的形象.巴洛克风格虽然继承了文艺复兴时期确立起来的错觉主义再现传统,但却抛弃了单纯、和谐、稳重的古典风范,追求一种繁复夸饰、富丽堂皇、气势宏大、富于动感的艺术境界.

巴洛克（Baroque）音乐,节奏强烈、跳跃,采用多旋律、复音音乐的复调法,比较强调曲子的起伏,所以很看重力度、速度的变化.巴洛克音乐是后期发展的一个基础.在声乐方面,巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩,当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量.那个时期的器乐曲发展也很迅速,尤其是弦乐方面的发展,弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色.那个时期的代表人物有：巴赫、维瓦尔蒂和亨德尔.巴赫是音乐之父,由此可见他的威望之高.维瓦尔蒂凭着他的《四季》一举成名天下知.亨德尔是旋律大师,他的作品有一种优雅.他们所留下来的东西是巴洛克时期的一大笔财富.

巴赫、维瓦尔弟和亨德尔

音乐的巴洛克时期通常认为大致是从1600年至1750年,即从蒙特威尔地开始,到巴赫和亨德尔为止.大家最为熟悉的巴洛克音乐家是维瓦尔弟、J.S.巴赫以及亨德尔.他们属于同一时期的伟大音乐家.维瓦尔弟最年长,出生于1678年；而巴赫与亨德尔都出生在1685年.维瓦尔弟是大家很熟悉的作曲家,其实他和蒙特威尔地一样,也是意大利人,但是他却比蒙特威尔地晚出世100多年.所以蒙特威尔地堪称巴洛克音乐的祖师爷.维瓦尔弟的名字与他的小提琴协奏曲《四季》紧密联系在一起,这部作品应该是最通俗的巴洛克音乐,甚至堪称流传最广泛的古典曲目.

虽然其贡献远不如后面二人来的大,但知名度却非常之高,他所作的协奏曲也具有一定的品质.亨德尔则具有天才的旋律大师,从他的音乐中可以感受到愉悦、优雅,他的协奏曲作品、歌剧、神剧都是巴洛克时期最为宝贵的音乐财富.巴赫是巴洛克时期最早的著名作曲家应该是意大利人蒙特威尔地,他出生于1567年,被誉为“文艺复兴时期向巴洛克时期过渡中显赫的人物”、“歌剧改革之父”以及“17世纪最出色的作曲家”,巴赫被誉为“音乐之父”,他的功绩自然非同一般,作品之多、水平之高也是亘古罕见的.

另外,巴洛克时期的法国音乐不可小视,库普兰是其中的代表者,同样出生于法国的拉摩也是同期著名的音乐家,他曾被誉为“18世纪法国最杰出的作曲家”.拉摩与库普兰一同构建了法国巴洛克音乐的辉煌,两者都是拨弦古钢琴领域出色的作曲家.巴洛克时期德国音乐家的代表是泰勒曼和J.S.巴赫,其实亨德尔也是德国人,但他的创作大多在英国完成,而且还入了英国国籍,所以通常被视为英国作曲家.泰勒曼这个名字或许显得比较陌生,但在18世纪他在世的时候,声誉甚至超过巴赫,但作品流传却不是很广泛.1750年,对位法（音韵学术语）超级大师约翰塞巴斯蒂安巴赫的与世长辞,标志着巴洛克巅峰的对位法音乐的终结,也标志着巴洛克时代的终结.

巴洛克音乐和乐器

巴洛克（Baroque）意谓形态不圆的珍珠.是巴洛克末期评论家们在评论此一时期的音乐时所首先使用的,而且一般含有贬意,指粗陋曲、奇异的、夸张的音乐.巴洛克之后古典主义时期的音乐家们趋于将音乐语言简化和规范化,在他们看来,巴洛克音乐过于夸饰而不够规范.因此巴洛克一词被评论家用来指17世纪及18世纪前期的艺术及音乐作品.巴洛克音乐起源于意大利,巴洛克音乐大致承袭了同时其他的艺术的风格.和文艺复兴时期的音乐相比,也难逃华丽、装饰、壮观等倾向.但是在巴洛克时期,音乐有许多发展和创新.如歌剧的诞生,还有宗教音乐的世俗化.我们知道在文艺复兴时期音乐是受宗教控制的,大多是些单声部合唱和没有伴奏的弥撒曲.自从歌剧的成功,不但吸引许多音乐家争相创作同类的作品,连带的纯演奏的器乐也受到影响.受其影响最深的要属宗教音乐了,在音乐内容上不单是那种传统的圣经故事和传说,还添加了许多戏剧化表现,而且不但加上类似歌剧中的独唱,重唱,更是把乐队都带进其中,成为不可分割的必要部分.这种宗教音乐的世俗化的结果不仅彻底装饰了传统的音乐类型,还创造出前所未有的作品类型,包括清唱剧、神剧、受难曲等等.

至于器乐,在巴洛克时期,可是扬眉吐气的风光.在文艺复兴时期,合唱曲仅有少样的乐器伴奏,甚至没有伴奏.即使乐器有登台露脸的机会,也是重复某一个声部的旋律,担任强化工作而已.纯粹器乐经常被演奏的只有舞曲等民间音乐的范畴了.然而随着巴洛克时代歌剧和宗教音乐的大型化、戏剧化,器乐所占的地位越来越重要了.例如歌剧、神剧等开头都会有纯器乐的序曲,其间的伴奏,也脱离重复声部旋律线的童养媳地位,成为不可省略的独立部分.除了歌剧类作品之外,巴洛克时期还产生了许多种重要的器乐演奏形态.

在文艺复兴时期的各种舞曲,在此时逐渐摆脱舞蹈伴奏的形式.作曲家们采用各地方独特舞蹈的节奏、速度,创作专为演奏而用的曲子.组曲这种形态,就是舞曲艺术化的最早例子.作曲家们收集了不同的舞曲,依照快慢和乐曲的性格,调配出一整组的曲子.

现在,随着时间的推移,我们可以用更为深入和细致的历史眼光来看待这一时期的音乐,巴洛克不复有粗陋和毛糙的含意,但是比之巴洛克前后的音乐作品,它确实存在着夸饰和有些不太规律化的特征.文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调.但至16世纪末期,艺术中感情的因素日益增加,明净清澈和完美的形式被表达感情的需要所压倒.

音乐表现的无限可能

在音乐上我们也早已从马伦齐奥、杰苏阿尔多的牧歌以及道伦德的古歌曲中看出端倪,而他们的下一代则更往前发展了.要制造出这些强烈的效果,必须发展一种新的音乐风格.一般地说,文艺复兴时期平稳的复调音乐已不适合新时期所需要的特色.巴洛克时期最重要的创造就是“对比”的概念.文艺复兴时期的音乐进行流畅,各个声部（通常为四至五个声部）相互交织,同步进行.1600年以后这种织体日渐少用,只有在教会音乐中才能见到,这是因为教会音乐受传统及固定的礼拜礼式所束缚,因此是最为保守的.

“对比”可以表现为各个不同的方面：音的高与低；速度的快与慢（快与慢的段落对比或快慢声部间的对比）；力度的强与弱；音色的不同；独奏（唱）与全奏（合唱）等等.所有这些都在巴洛克时期的音乐结构中存在,各有它们的地位.许多巴洛克时期的音乐家使用协奏曲或复协奏曲形式（此词本身意味着明显的对比因素）,这种形式的基本特点是织体的变换,有时用一个声部（独奏）或几个声部,有时用较大的群体合奏.最明显而强烈的对比是当时出现的一个新的体裁叫做“单声部歌曲”（monody）,它是一种独唱歌曲,大致是在上面有一个流畅的人声声部,配以琉特琴或羽管键琴的伴奏,伴奏的进行较为缓慢,这一体裁的代表人物（在某种程度上可以说是创造者）是作曲家兼歌手卡奇尼（Caccini,约1545-1618）在他划时代的作品《新音乐》（Lenuovemusiche）歌集中,人声的旋律依循歌词的意义,变化极大,在节奏和织体上可以从很简朴到非常富有装饰性；而且又与几乎固定不变音型的伴奏声部形成对照.卡奇尼属于佛罗伦萨的“卡梅拉塔会社”（一个由音乐家、诗人、贵族组成的团体）成员,他在16世纪70-80年代接触到将古希腊音乐中表现感情的观点加以再创造的概念,这个团体遵循这个概念采用了“单声部歌曲”的形式.上述“伴奏”这个词,在文艺复兴时期音乐中几乎不用考虑,作为一个观念,它属于巴洛克时期,它意味着乐器声部之间的地位不同.事实上巴洛克音乐最重要的特征是它的伴奏部分即通奏低音.通奏低音演奏者在羽管建琴或管风琴（或拨弦乐器琉特琴或吉他）上奏出低音声部,上面标出数字指示他应演奏的填充和弦.

通奏低音经常由两个人演奏,一人用大提琴（或维奥尔琴或大管）一类可延长音响的乐器演奏低音声部,另一人演奏填充和弦.这种使用通奏低音的织体是：上面一个人声或乐器的旋律声部,底部是一个低音乐器,中间填以和声,这是典型的巴洛克音乐的风貌.上面的声部也常有用两个的,有时是为两个歌手写的,有时是两把小提琴（此时即称三重奏鸣曲）,此种结构在巴洛克音乐中也很典型,特别是通奏低音不能或缺,说明由低音产生和声的概念对于巴洛克音乐是如何重要,是它的中心.这个概念的出现并不突然,在16世纪中已有将低音声部区别于复调音乐中上面其他几个声部线条的,但只是到了巴洛克时期这种风格才清楚地确定下来.与上述的变化一起,而且是有关的,是放弃复调（更精确地说,复调音乐成为一种老式的方法,几乎只用于教会的某一类音乐中）.

重视和声必然导致在一首乐曲中出现和声进行的若干终止点,这些终止点称终止或收束,是由于某一种标准的一系列和声进行而形成的.与此相关的是节奏的进行,在声乐中,旋律要表达歌词的情感,必须按照（甚至夸张）语言的自然节奏；在器乐中（包括一些声乐,特别是合唱曲）有用舞蹈节奏的.由于低音用了舞蹈音乐的节奏型,加速了调性感觉的发展以及向某一个特定的音进行的趋向性.

与此同时,新乐器种类的出现加速了这个进程,其中最重要的乐器为小提琴族系.当时维奥尔琴的发音适合复调音乐的清晰但却缺乏节奏的动力感,而小提琴洁净明快的运弓以及其演奏辉煌技巧乐曲的能力适合演奏舞蹈节奏的音乐,与单声部歌曲相比更有发挥技巧的能力.声乐风格与器乐风格的交替进行是典型的巴洛克的手法,巴洛克音乐中有这样两种不同风格的交替进行是为了新奇和效果.

巴洛克早期重要的音乐形式是单声部歌曲（相对于前一个时期复调音乐而言）以及与此相联系的体载歌剧与清唱剧,强调语音与音乐的紧密结合,在歌剧中还有布景的效果.单旋律音乐中不使用对位,其形式是由旋律与低音相结合发展起来的,如分段歌形式,回旋曲结构,在反复出现的低音声部上的变奏.在乐器方面也有相应的发展,如适合于演奏通奏低音组合的乐器,以及替代维奥尔琴族系的小提琴等,小提琴族系乐器更灵活而且能演奏较高的类似人声的音域.

巴洛克音乐最大的特色就是调性取代调式.自中古以来的教会调式,主要以音符的排列方式来决定曲调的性格,也是横向思考的一种表达.在巴洛克早期开始出现以三和弦为基础的调性写作,以各种大,小调的和声特色,表现乐曲个性.而调性系统的蓬勃发展,给音乐表现带来无限的变化可能,奠定往后三百年音乐的基础.另一方面是配器的均衡完美,文艺复兴时期许多种乐器的发展还不完善.因此乐团的音色不是很协调（除非是同一种家族的乐器）,音乐的对比,以音色、音量为表现方式.到了巴洛克时期,乐器的发展已经相当成熟,尤其是提琴家族的乐器,可以发出足以和管乐器抗衡的洪沛音色.因此,这个时期音乐创作,强调的是数量和旋律上的对比.演绎巴洛克音乐有两种主要的方法.其一是采用现代乐器演奏,但是缩小乐团规模,以符合巴洛克作品的特定需要.其二则是采用古乐器或者仿古乐器演奏,甚至成立专门的小编制巴洛克乐团或者古乐团.两种方法相比,显然后一种演绎更能贴近巴洛克音乐的本质,近年来这种本真的演奏方式也已经成为演奏巴洛克音乐的首选.

巴洛克音乐与α脑电波

巴洛克音乐的旋律富有表现力,追求的是宏大的规模,雄伟、庄重、辉煌的效果,主要表现形式为“通奏低音”.巴洛克音乐每分钟约60拍,与我们人类的脉搏与呼吸频率大致相同,使我们的脉搏和呼吸在这一节拍上趋于中和与稳定.巴洛克音乐的低振幅、低频率又可以诱发与增强我们大脑中的α波,促进脑内的分泌,使大脑进入最活跃的状态,让人进入一种超级脑能境界,能让学习、记忆和创造性思维获得充分的施展,从而大大提高大脑的效率.由著名的保加利亚心理学家、教育家乔治罗扎诺夫创造的风靡世界的暗示学习法中采用的就是巴洛克音乐.它可以帮助吸收、消化、记忆与运用知识,并获得了惊人的效率和成果.在巴洛克音乐的背境下学习,学生每天最多可以轻松地记住大约3000个单词,在3个月之后还能够记住大约80%.罗扎诺夫根据学习的不同需要,将乐曲分为主动音乐（主要用于学习）和被动音乐（主要用于记忆）.该音乐播放以约40分贝为宜.很多心理学家和研究学习的学者都认为巴洛克音乐拥有增强学习效果的作用.美国快速学习先驱泰丽怀勒韦伯(TerryWylerWebb)指出.“在α波类型中可以进入更深的层面,这两种脑电波以放松、注意力集中和舒适等主观感受为特征.就是在α波状态下,非凡的记忆力、高度专注和不同寻常的创造力都可以取得.”当音乐配以文字,许多种音乐能极大地增强您的回忆能力,帮助您记住信息内容.

巴洛克音乐正是快速提高学习的理想音乐,主要原因是巴洛克音乐每分钟60-70拍的节奏与α脑电波一致.许多研究表明,在这种状态中,大脑在检索新的信息,并将它存储进恰当的记忆库.您重温脑图、回忆白天主要内容时所出现的平静、放松状态,打开了通向潜意识记忆库的大门.α波也适合于开始每一次新的学习.很简单,在开始前,您当然得清理思路.将办公室的问题带到球场上,您就因会心不在焉打不好球.学习也是如此.从英语课马上转上数学课,这会难于“换档”.但是花一会儿时间做做深呼吸运动,您就会开始放松.放一些轻松的音乐,闭上眼睛,想想您能想象到的最宁静的景象——您很快会进入放松性警觉状态,这一状态会更易于使信息“飘进”长期记忆之中.